最簡單的山水畫怎麼畫-扒知識

Q1：許吉爾的山水畫怎麼樣？

這首先要看你是個什麼樣的人，是什麼樣的人就會喜歡什麼樣的畫。別人說他的畫不行的，說不定你還認為他畫得很好。就是說如果你是一個大眾化的人，你喜歡的也是大眾化的東西，那麼離掛這幅畫在你的辦公室也也沒有什麼。只要你自己喜歡就行，管別人說什麼呢，你說是吧？

但是，如果你想檔次高點兒，專業一點兒，那我建議你最好不要在辦公室掛這樣的畫。因為稍有點水平的人都會覺得這幅國畫不怎麼樣？這確實就是一副典型的行畫、菜畫，很俗氣的畫。

好了，我們來簡單說一說國畫的基本標准。國畫首先講究的是用筆用墨，講究它的韻味。這種畫用筆刻板，沒有一丁點兒書法用筆的瀟灑內涵和遒勁之力。畫這種畫的人只是在模仿，在描摹，在極意刻畫，是照葫蘆花瓢。書畫同源，書法和國畫兩者都須骨法用筆、線條執行有著緊密的聯結，因此繪畫同書法相互影響，形成了顯著的藝術特征。

中國畫強調“外師造化，中得心源”，要求“意存筆先，以形寫神，形神兼備，方能氣韻生動。所以真正的國畫，講究的是用筆的蒼茫、瀟灑、處處骨法用筆，線條靈動瀟灑，是畫家自身人格的跡化和表現。一幅畫面要有意境，畫外有畫，有些地方要密不透風，而有些地方又要疏能跑馬，甚至會有大片的空白。整個畫面看上去應該是很雅致、很空靈。而不是像這幅畫，看著是大紅大綠，一覽無余。

欣賞國畫和畫國畫一樣，你需要有相應的審美能力和人格修養以及高雅的情趣，才能欣賞得了一幅比較高雅的中國畫。古今中外，藝術從來都是曲高和寡的。真正好的東西，往往是少數人才能欣賞得了。國外像梵穀的畫，國內像黃賓虹的畫，很多人都欣賞不了。所以我們要想認識一幅好的國畫，就要學習這方面的知識，提高這方面的修養，然後你才能從內心真正認識到一幅好國畫它究竟好在哪里！

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Q2：山水畫怎麼畫

千年來中華民族尤其是中國文人階層對山水情有獨鍾，不論是 “智者樂水，仁者樂山”的長者智慧，還是“高山流水”的知音情結，亦或是“可游可居”的精神追求，無不體現出中國人對山水的獨特情懷。中國畫中的主流和大宗是山水畫，而山水畫也真正體現了我們的審美文化和民族精神：把山水作為繪畫的題材，也作為文學等其他藝術樣式的題材，這標志著中國人對自然的審美意識開始覺醒，也標志著中國人“天人合一”哲學觀念的最終完美體現。
歸根結底，山水畫不同於花鳥畫、人物畫，最為重要的在於構境，“可行、可望、可居、可游”之境。但是，在歷史上，山水畫的發展也經歷了由實用到技法再到審美、意趣的不同追求。
如果詳細研究，可參考陳傳席的《中國山水畫史》和牛克誠的《色彩的中國繪畫》，這兩本書會讓你完全了解山水畫，從材料、技法到歷史、品評都有。
這是一個很難直接回答的問題，“怎麼臨摹”包括選摹本，臨摹的技法等，很難全面回答。現就我的認識，回答一部分：
首先，摹本的選擇上。古人沒有今天這麼多的印刷品，所以能夠見到的作品肯定是有限的（除了宮廷畫家和收藏家）。但是有一點，他們所臨的都是“真跡”，哪怕是贗品。直到清代出現了《芥子園畫譜》的廣為流傳，才開啟了臨摹豐富的道路，包括齊白石等都是從臨此書開始。
因此，很多畫家形成了強記的本領。比如，黃公望的《富春山居圖》，沈周曾經收藏，後來借給一個朋友，但此作品被盜，沈周痛苦萬分，不得已根據記憶將此畫作默寫出來，故有兩幅《富川山居圖》流傳後世，沈周之作可補黃公望之作缺失部分。近現代的陸儼少家境貧寒，故留戀裝裱店，形成了強記的功夫，回家後就將此默寫出來。因此在寫生中，從不現場作畫，而筆筆生發，進入自由王國（李可染的評語），不可不說與其少年時形成的強記本領有關。而五代南唐顧閎中的《韓熙載夜宴圖》也是在記憶中畫成的。
第二，關於臨摹的選本真偽和清晰與否上。現在的觀點，大部分認為名家珍品和高清版本為上。這是有道理的，這樣可以盡可能的體會大家筆意、構境等。
但是，歷史上也有不同者。如書法家王鐸，真品、贗品都臨摹，最終也成就很高。近現代的賀天健，要求摹本不要太清晰，這是怕完全鑽進去了，走不出來了，但這要求必須有名師指點，否則容易走彎路。清代鄭板橋亦言“十分學七要拋三”，即是活學。
我認為，應該專研一家，走進去，然後再走出。如當代中國美術學院九十年代崛起的一批，張偉平、林海鍾、張捷、張谷旻，以及後來的丘挺，都是有較深的臨摹功力，尤其丘挺，可以將王蒙的《青卞隱居圖》背臨，局部可以達到跟原作一樣。這樣的底子，然後創新，才能有根基。
臨摹的作品上，中國美術學院有十幅大畫，包括董源《夏山圖》，巨然《層岩叢樹圖》，郭熙《早春圖》，范寬《溪山行旅圖》，李唐《萬壑松風圖》，夏圭《溪山清遠圖》，趙孟頫《鵲華秋色圖》，黃公望《富春山居圖》，王蒙《青卞隱居圖》、《具區林屋圖》，倪雲林《漁莊秋霽圖》、《容膝齋圖》等。
第三，臨摹道路上。中國美術學院的顧坤伯老先生，主張由清朝，上溯明、元，直到宋。但陸儼少主張從宋朝大畫開始，十幅大畫也是他傳下來的。我認為可以不拘一格。
至於山水畫形式風格和歷史的著作，陳傳席的《中國山水畫史》是歷史演變的，牛克誠《色彩的中國繪畫》是將風格的，兩本結合，效果會很好。但是，一定要能夠讀透，否則，難有收獲。
臨摹，還要注重紙張和毛筆。關於紙，這個變化太多，以前的絹帛，後來檀書皮作的（後來檀書被用盡了，所以少了），再到後來秸稈作的，都不一樣。至於日本盜用中國技術做的宣紙，細膩有余，但不盡好用。今天的宣紙，尤其是紅星的，臨摹明清的水墨作品還是可以的。但是，如元代王蒙的《青卞隱居圖》等，則需要煮捶宣，半生半熟的。
關於這個問題，可能需要說的太多。我也不知道從何說起，希望上面的對你有所幫助吧。
如臨摹宋人山水，須用相對熟的絹。不過那時的紙和現在紙根本不同，本身滲水性差；
而臨摹元人如王蒙的山水畫應用半生熟的煮捶宣，既可走動筆線，又能反復積墨；
到了明代，有宣紙，那時的宣紙是用檀樹皮做的，紙既光潔，又能存墨；後來檀樹皮用光了，改用稻草，雖然光潔，卻不流暢，墨色效果較差；日本紙細膩有余，但太過工細，用起來發康。
基本而言，從花鳥畫的大寫意開始，但代表它們的里程碑沈周、徐渭所用紙雖為生宣，但與今之生宣亦不同，尤其沈周之畫，多用較熟的紙。
在今人體系中，如賈又福，讓學生主臨三家：范寬、石濤、龔賢。今學生頗多喜龔賢之積墨，竟用生宣臨摹，畫面多有烏濁之氣，謬矣。
現在多用臨寫意花鳥的點染丶點寫之法臨古代山水、創作當代山水，不免薄氣。對於今人之行為，上海大學徐建融極為不滿，提出"革生宣紙的命"，雖有偏激，但亦反映出來今人多用生宣，缺少唐宋之苦心經營。